MÚSICA NATIVA AUDIOVISUAL/LA COLABORACIÓN MULTIMEDIA DESTACA EN LA BIENAL DE WHITNEY, 2019

El Museo Whitney, uno de los espacios más importantes del mundo en arte contemporáneo, es especialmente conocido por su Bienal, que presenta una selección ecléctica y cuidadosa de artistas y obras impactantes de total actualidad. Esta Bienal busca generar debate, opinión e ideas transformadoras. Ser seleccionado para exponer es a menudo una oportunidad para hacer carrera, pues se coloca al artista en el centro de atención, no solo para el público más exigente de Nueva York, sino también para instituciones y coleccionistas clave de todo el mundo. Algo sin precedentes es que 8 de 75 artistas de la Bienal 2019, eran y son indígenas.


La musicóloga, compositora, artista e intérprete Laura Ortman (Apache Monte Blanco) fue una de las participantes de este año. Fue destacada y elogiada particularmente entre los críticos de arte más influyentes por su representación audio visual titulada My Soul Remainer, en la que participaba tocando en vivo un solsticio de verano y con la que causó una verdadera experiencia sensorial. El video, dirigido por Nanobah Becker (Diné) y que presenta al reconocido bailarín de ballet Jock Soto (Diné/puertorriqueño), viejos amigos y colaboradores de Ortman's, captura una de sus representaciones de violín, una obra de exquisita belleza etérea que no solo transporta la audiencia a diferentes entornos en el mundo natural en la pantalla, sino también evoca un reino casi de otro mundo de sentimiento a través del sonido. Valorada por mucho tiempo por los miembros de las comunidades nativas del arte, música y cine en los EE. UU. y Canadá, esta cita en el museo The Whitney presenta una ocasión formidable para que el trabajo de estos artistas tenga una repercusión amplísima en el escenario internacional. Cristina Verán habló con Ortman y Becker sobre la experiencia.

 

Cristina Verán (CV): Laura, cuéntanos un poco sobre cómo tu trabajo llegó a los oídos del museo.

Laura Ortman (LO): En cuanto a lo musical, la Bienal es mi primera actuación individual en The Whitney. Sin embargo, en realidad es la cuarta vez que expongo mi arte allí. La primera experiencia fue como parte del espectáculo "Words for Water" en marzo de 2017, organizado por Natalie Díaz y Jennifer Foerster. Eso fue seguido en 2018 por un espectáculo grupal llamado "El nuevo orden rojo: La filosofía salvaje del reconocimiento sin fin", y luego como parte de "Una puesta de sol infectada" de Demian Dinéyazhi.


CV: Estar sola esta vez en el escenario, es una señal del interés especial del museo en ti. ¿Cómo sucedió eso?

LO: En noviembre pasado, después de regresar de un viaje desde Nuevo México a Nueva York, los curadores Jane Panetta y Rujeko Hockley se pusieron en contacto conmigo, para organizar una visita al estudio. Hablamos por mucho tiempo sobre mi música y todo mi proceso creativo. Me preguntaron si tenía algún trabajo que me interesaría mostrarles, así que compartí el video, My Soul Remainer, que dirigió Nanobah. Menos de una semana después, me invitaron a actuar en vivo durante la Bienal, y también me pidieron que presentara el vídeo en el programa “¡Fuerte y Orgulloso!”.

 

CV: Nanobah, ¿cómo comenzó esta colaboración creativa y cuál es tu papel dentro de ella?

Nanobah Becker: Laura y yo nos conocimos por primera vez en Nueva York en 2002 en la proyección de una película para la que había escrito una partitura - Redskin (1929, Victor Schertzinger). En ese momento, era estudiante de cine y hacía una pasantía en el Museo Nacional Indígena Americano. Conocimos a Jock Soto algunos años después, cuando su documental biográfico Water Flowing Together (2007, Gwendolen Cates) se proyectó en el festival del cine nativo en Santa Fe. Él es quien realmente nos inspiró a trabajar juntos, y somos los tres: Laura, Jock y yo. Tenemos muchos deseos de aportar algo de nuestras propias habilidades e ideas al trabajo colectivo. Mi formación, por ejemplo, es como cineasta narrativa y narradora.

LO: Yo lo diría así: Nanobah tiene la visión, Jock tiene el movimiento y yo tengo el sonido, y nos unimos para hacer algo único: un arte de altura.

 

CV: ¿Cómo llegaste a ver tu música intercalada con otros géneros, más bien, vinculada a otros tipos de creación artística?

LO: He tocado el violín desde que tenía siete años. Más tarde, cuando estaba en la escuela obteniendo mi Bachelor of Fine Arts, comencé a hacer presentaciones y arte escénico, aparte de hacer música para las bandas sonoras de esos proyectos. Con el tiempo empecé a pensar en mi música para hacer arte del sonido, o a lo que llamo “esculpir el sonido”, que es la creación de ambientes. Para mí, la música y las artes escénicas centradas en la música, tienen que ver con crear atmósferas.

 

CV: ¿Qué quieres decir exactamente y cómo se logra eso?

LO: Personalizando la grabación de mi música en lugares como por ejemplo sonidos naturales o acústica super-duper, incluyendo algún tipo de ruido de fondo o toques de sonidos incidentales, tales como en huecos de escaleras, en campos, en cañones naturales, lugares ruidosos al aire libre, etc. En mis presentaciones en directo, llevo al público a un lugar, una visualización, pero sin nombre; abstracto. Tengo una canción que trata sobre el desplazamiento de los icebergs, y una sobre mi sombra perdida…

NB: La canción de Laura, "Perdí mi sombra" incluye por ejemplo sonidos del metro. En el video que hicimos para esa canción, decidí filmar en el tren que cruza el Puente Williamsburg, desde Brooklyn hasta Manhattan, y le pedí a Jock que bailara en ese metro. Luego vino My Soul Remainer, nuestro segundo video, que grabamos en una montaña en Nuevo México. Fue un verdadero contraste con el paisaje urbano del primero, particularmente en la manera en que las vistas de la naturaleza en la pantalla responden a la música de Laura.

 

CV: ¿Estos dos videos están vinculados o pretenden ser parte de una serie continua?

NB: Para mí, Laura y Jock están retratando los mismos personajes en ambos videos. Hay una historia que los vincula entre sí, que se intuye por el tono de cada canción, aunque no creo que se haya definido realmente hasta que llegamos a la etapa de edición. Ahora queremos hacer uno más para que sea una trilogía de videos que ofrezca algún tipo de salida a los instintos de sus personajes. Jock eligió las canciones para los primeros dos videos y creo que ya eligió una para el tercero. Tendré que escucharlo una y otra vez para obtener ideas visuales.
 

CV: ¿A qué desafíos tuvieron que enfrentarse en el trabajo para presentar sus ideas originales en video?

NB: Bueno, ¡el más grande fue que no teníamos dinero! Tuvimos que pedir prestado el equipo y luego filmar las imágenes lo más rápido posible. Afortunadamente, hubo algunas otras personas con mucho talento que creyeron en nosotros y también se involucraron; cinematógrafos como Smokey Nelson, quien trabajó en la primera película, y luego Blackhorse Lowe con la segunda. Su visión del arte que nos ofrecieron, ayudó mucho en los proyectos.

 

CV: Ambos tienen influencia en los círculos de "Creatividades nativas". Los artistas indígenas a menudo eligen crear o representar un tema o una estética que representa algún aspecto de su herencia cultural, ¿es eso cierto en sus colaboraciones con otros artistas indígenas o en su propio trabajo?

NB: Mi cultura Diné tradicionalmente representa una dualidad, en contraposición a un sistema patriarcal. Para estos videos, pensé mucho acerca de la dualidad en toda su producción. Los personajes de Laura y Jock, en mi opinión, son una especie de yin y yang, uno para el otro; también usan el mismo maquillaje y esmalte de uñas. Recuerdo que mi sobrina, cuando era muy joven, vio el video y preguntó sobre Jock: "¿Es un hombre o una mujer?" Y dije: "¡perfecto!"

 

CV: Ambos han participado y presentado en importantes congresos artísticos, particularmente en los festivales de cine Sundance e ImagineNative. ¿De qué manera han contribuido esos lugares a su desarrollo artístico?

NB: Yo fui participante del Programa Indígena de Sundance unos años antes. A través de eso, conocí a Danis Goulet, un seleccionador de películas para ImagineNative. Ella programó Flat en el festival, mi primer cortometraje, el cual me pareció un entorno tan dinámico, solidario y progresivo…algo que nunca antes había experimentado realmente. A través de ImagineNative, he conocido a muchos otros cineastas nativos maravillosos (especialmente canadienses), que desde entonces se han convertido en parte de mi red. Es increíble ser parte de esta comunidad internacional de cine indígena.

LO: En 2011, Nanobah y yo tuvimos el honor de recibir el premio al Mejor video musical en ImagineNative por I Lost My Shadow.

 

CV: Durante estos días… ¿dónde pueden decir que se sienten como en casa? ¿Han compartido tus vídeos con la comunidad?

LO: Tengo sede en Nueva York, donde he vivido durante muchos años. ¡Nueva York fue mi escuela! Todavía no he mostrado mi trabajo en casa, en mi entorno.

NB: Vivo en Los Ángeles, aunque estoy en mi reserva en este momento. Anteriormente mostré algunos de mis vídeos aquí, y a principios de este año filmé la celebración anual del Orgullo Diné; al cual estoy viendo la forma de desarrollarlo para que sea un proyecto con más repercusión.

 

CV: ¿Cuándo podrá ver el público un capítulo final de la trilogía, para seguir I Lost My Shadow y My Soul Remainer?

LO: Todavía estamos pensando las cosas. Por lo general, esperamos el momento en que todos podamos reunirnos en un solo lugar, ¡y luego de eso, es vamos-vamos-vamos!

 

--Cristina Verán es una especialista internacional en temas de Pueblos Indígenas, investigadora, estratega, educadora, editora y productora de multimedia. Su trabajo se centra en las intersecciones de los derechos humanos, el compromiso político, las artes y el desarrollo comunitario. Es corresponsal de la ONU desde hace mucho tiempo y fue miembro fundadora de la Red de Medios Indígenas de la ONU.

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